Gustavo Dudamel dirigiert Barber und Strauss

  • Samuel Barber
    Adagio for Strings op. 11 (00:13:09)

  • Richard Strauss
    Don Juan op. 20 (00:21:19)

  • Richard Strauss
    Till Eulenspiegels lustige Streiche op. 28 (00:19:22)

  • kostenlos

    Gustavo Dudamel im Gespräch mit Sarah Willis (00:23:43)

    Gustavo Dudamel, Sarah Willis

Bei seinem ersten Konzert mit den Berliner Philharmonikern - 2008 unter freiem Himmel in der Waldbühne - widmete sich Gustavo Dudamel in einer »Südamerikanischen Nacht« der Musik seiner Heimat. Es folgten Auftritte in der Philharmonie mit eher russischen Farben, ehe sich der junge Stardirigent in seinen letzten Gastspielen verstärkt einem Komponisten widmete, der zu den Säulenheiligen der deutschen Spätromantik gehört: Richard Strauss.

Von Richard Strauss hat sich vor allem das Bild eines gereiften Komponisten von patriarchalischer Ausstrahlung in den Köpfen der Musikfreunde verankert. Dabei war er ein junger Mann - ungefähr in Dudamels Alter -, als er seine berühmten Tondichtungen verfasste, darunter auch Don Juan und Till Eulenspiegel, die in diesem Konzert auf dem Programm standen. Voll jugendlichem Feuer sind diese Werke, aber auch von einer unendlichen orchestralen Raffinesse, mit denen der Nachwuchskomponist jeden eventuellen Zweifel an seiner Begabung von vornherein ausräumen wollte. Und so gehören denn Strauss' Tondichtungen zum Anspruchsvollsten, was je für Symphonieorchester geschrieben wurde.

Dass Dudamel und die Berliner Philharmoniker diesen Anforderungen bestens gerecht wurde, zeigt etwa die Rezension des Tagesspiegels: »Den Don Juan dirigiert Dudamel genießerisch, berauscht sich am tausendfarbig schillernden Klang der Philharmoniker, unterbindet dabei auch den Schmäh nicht, lässt selbst zuckriges Mehlspeis-Melos zu. Der Ausdrucksmusiker Dudamel braucht übrigens keinerlei Hampelei, um den emotionalen Sturm zu entfachen. Konzentriert die Armbewegungen, die Beine stehen fest auf dem Boden. Seine Kraft kommt von innen. Auch so zeigt sich phänomenale Begabung.«

The Game of Life and Death

Works by Samuel Barber, Béla Bartók and Richard Strauss

Samuel Barber: Adagio for Strings op. 11

A child prodigy? In the final analysis, it is a matter of opinion whether this exalted term applies in the case of Samuel Barber. The fact is, however, that this composer, who has been badly neglected on the European continent until now, began to compose in earnest at the age of seven and at only fourteen was accepted as a student at the renowned Curtis Institute of Music in Philadelphia. In addition to piano, Barber also studied voice there – a fact that would prove to be significant for his career as a composer. His penchant for a dominant melodic line and, related to it, his tremendous sense of phrase linearity are unmistakable. This conscious inclination is also obvious in the Adagio for Strings.

Hardly any other 20th-century work has exerted a comparably suggestive, even ingratiating effect on audiences. There are actually three reasons for this. The first lies in the instrumentation and the resulting coherent tonal image. The second is the restrained, extremely expressive theme, its continuously flowing, expansive melody, its timeless beauty. The third and perhaps most important reason is dramaturgical in nature. With every second this theme intensifies, ascends dynamic terraces as it were, while continuing to soar rhapsodically, circling around the listener as though on an ellipse. At the climax of the broad arch, shortly after the cellos have “taken the lead”, there is a brief culminating moment of ecstasy, a passionate outburst followed by paralysis. The music gradually overcomes this state – as might be expected, by taking up the elegiac theme again, continuing to develop it and finally allowing it to gently fade away after barely eight minutes.

Richard Strauss: Don Juan op. 20 and Till Eulenspiegels lustige Streiche op. 28

Who has not painted a literary portrait of Don Juan! Calderòn, Molière and Goldoni did; E. T. A. Hoffmann, Lord Byron and Prosper Mérimée; Alexander Pushkin, Nikolaus Lenau and Charles Baudelaire; and later, George Bernard Shaw, Guillaume Apollinaire and Henry de Montherlant. It is only natural that these portraits proved to be quite different. Despite their differences, however, one thing unites them all – the fascination exerted by the subject of their works, his demonic aura.

Lenau provides one of the most poetic descriptions of this aura: “Fain would I run the magic circle, immeasurably wide, / Of a beautiful woman’s manifold charms, / In full tempest of enjoyment, / To die of a kiss at the mouth of the last one. / O my friend, would that I could fly through every place / Where beauty blossoms, fall on my knees before each one, / And, were it but for a moment, conquer” [translation: Norman Del Mar]. We encounter this burning and longing again in virtually every bar of Richard Strauss’s tone poem Don Juan, which was inspired by three sections drawn from Lenau’s poem Don Juan. Strauss does not simply depict the erotic rapture of his hero scene by scene, however. Instead, carefully avoiding descriptive elements, he creates intrinsic thematic values and momentum which are so strong and so vivid that the music is prevented from becoming merely a dazzling display. That is also precluded by the structural solution; Strauss chooses sonata form, with essentially two themes. The first, a triumphal orchestral figure in E major, is introduced in grand style, then transformed and developed in several episodes, in one great surge, as it were – passionate yet controlled, sensuous but not oppressive, full of life yet always self-possessed. It is juxtaposed with the second principal theme, played in bar 40 by the bass instruments, which pushes the music forward with vehemence. A second Don Juan theme forces its way into the proceedings, belated but “very energetic” and with Beethovenian grandeur; it is played in unison by the horns, Strauss’s favorite instrument. It is no accident that the hero becomes contemplative at this point in the score. His erotic intrigues were apparently too excessive and unrestrained after all. At the close, the sensual frenzy gradually subsides in gloomy minor.

The tone poem Till Eulenspiegels lustige Streiche [Till Eulenspiegel’s Merry Pranks] serves as a humorous antithesis to Don Juan. This work, completed in 1895, is a brash, vivacious scherzo with striking tonal effects, “after an old picaresque tale, set in rondo form for large orchestra”. The profusion of musical ideas is astonishing – boundless exuberance, unrestrained high spirits and satire take on shapes as distinctive and buffoonish as the cries of the market women, a leisurely folk melody, a street song and – naturally – Till’s wistful longing, to be played “aflame with love” by the violins. There is no doubt that the hero is the centre of attention – although more roguish and philosophical than erotically charged – personified by two motifs which after their first appearance keep turning up again out of nowhere in various forms and picturesque arabesques. One of them – both mischievous and thoughtful in character – is introduced by the solo horn at the very beginning. Strauss gives the second and intrinsic Eulenspiegel motif, which is supposed to be “merry”, to the virtuoso D clarinet. Although this Janus-faced theme, like the entire work, stands on its own, the listener is nevertheless aware that there are programmatic overtones in the background. Thus, we can accompany the polymorphic Eulenspiegel hurrying through the world on his musical adventures, now brazen, now amorous. We can watch him playing his tricks and jokes and finally – after the trombones have pronounced his sentence – follow him to his death. With a final sighing flute trill, Till Eulenspiegel loses not only his merriness but his breath as well. The work is not over yet, however. An epilogue in F major follows, clearly expressing one thought: may the rogue’s spirit live on in this – according to Voltaire’s Candide – “best of all possible worlds”.

Jürgen Otten

Translation: Phyllis Anderson


Das Spiel vom Leben und vom Tod

Werke von Samuel Barber, Béla Bartók und Richard Strauss

Samuel Barber: Adagio for Strings op. 11

Ein Wunderkind? Es liegt letztlich am Blickwinkel, ob man dieses hohe Wort im Fall von Samuel Barber in den Raum stellen möchte. Tatsache aber ist, dass dieser auf dem europäischen Kontinent bis heute sträflich vernachlässigte Komponist bereits im Alter von sieben Jahren anfing, ernsthaft zu komponieren und mit gerade einmal 14 als Student am renommierten Curtis Institute of Music in Philadelphia aufgenommen wurde. Barber studierte dort neben Klavier auch das Fach Gesang – eine Tatsache, die sich für seine Laufbahn als Komponist als bedeutsam erweisen sollte. Unverkennbar nämlich ist der Hang dieses Komponisten zu melodisch dominanten Verläufen und, damit zusammenhängend, sein enormes Gespür für die Linearität von Phrasen. Diese bewusste Neigung tritt auch im Adagio for Strings zutage.

Kaum ein anderes Werk des 20. Jahrhunderts hat eine vergleichbar suggestive, ja geradezu insinuative Wirkung auf das Auditorium ausgeübt. Dafür gibt es genau genommen drei Ursachen. Die erste liegt in der Instrumentation, dem daraus resultierenden geschlossenen Klangbild. Die zweite im verhaltenen, extrem expressiven Thema, in seinem kontinuierlich fließenden, weit ausschwingenden Melos, in seiner zeitlosen Schönheit. Die dritte, vielleicht wesentlichste Ursache ist dramaturgischer Natur. Denn mit jeder Sekunde verdichtet sich dieses Thema, steigt gleichsam auf dynamischen Terrassen hinauf, bleibt dabei aber stets rhapsodisch-schwebend und umkreist damit den Hörer wie auf einer Ellipse. Auf dem Höhepunkt des weitgespannten Bogens, kurz nachdem die Violoncelli die »Führung« übernommen haben, kommt es zu einem kurzen kulminierenden Moment der Ekstase, zum leidenschaftlichen Ausbruch mit anschließender Erstarrung. Aus dieser befreit sich die Musik nach und nach – wie nicht anders zu erwarten, indem sie das elegische Thema wieder aufnimmt, es fortspinnt und es schließlich nach knapp acht Minuten sanft ausklingen lässt.

Richard Strauss: Don Juan op. 20 und Till Eulenspiegels lustige Streiche op. 28

Wer zeichnete nicht alles ein Porträt des Don Juan! Calderòn, Molière und Goldoni taten es; E. T. A. Hoffmann, Lord Byron und Prosper Merimée; Alexander Puschkin, Nikolaus Lenau und Charles Baudelaire; sowie danach George Bernard Shaw, Guillaume Apollinaire und Henry de Montherlant. Es liegt in der Natur der Sache, dass die Porträts höchst unterschiedlich ausfielen. Bei allen Unterschieden aber eint sie eines in jedem Fall: die Faszination, die vom Gegenstand der Betrachtung ausstrahlte; seine dämonische Aura.

Eine der poetischsten Beschreibungen dieser Aura finden wir bei Lenau: »Den Zauberkreis, den unermesslich weiten, / Von vielfach reizend schönen Weiblichkeiten / Möcht’ ich durchziehn im Sturme des Genusses, / Am Mund der Letzten sterben eines Kusses. / O Freund, durch alle Räume möcht’ ich fliegen, / Wo eine Schönheit blüht, hinknien vor jede / Und, wär’s auch nur für Augenblicke, siegen.« Es ist dieses Glühen und Sehnen, das uns in eigentlich jedem Takt von Richard Strauss’ Tondichtung Don Juan wieder begegnet, dem drei ausgewählte Abschnitte aus Lenaus Don Juan-Poem als Vorlage dienten. Doch zeichnet Strauss keineswegs Bild für Bild den sinnlichen Rausch seines Titelhelden nach. Sondern er formuliert, unter behutsamer Vermeidung des Deskriptiven, thematische Eigenwerte und Eigendynamiken, die so stark und so plastisch sind, dass die Musik vor dem Abgleiten ins Bloß-Schillernde bewahrt bleibt. Dem steht auch die strukturelle Lösung entgegen: Strauss wählt die Sonatenform, mit grundsätzlich zwei Themen. Das erste, ganz triumphales orchestrales E-Dur-Gebilde, wird mit Glanz und Gloria vorgestellt und danach in mehreren Episoden, gleichsam in einem großen Schwung, umgewandelt und ausgestaltet: feurig, aber dennoch gebändigt; sinnlich, aber nicht schwül; vital, jedoch stets voller Haltung. Ihm gegenüber steht das in Takt 40 von den Bassinstrumenten gespielte zweite Hauptthema, welches die Musik ungestüm vorantreibt. Zwischen diese drängt sich recht spät, jedoch »sehr energisch« und voll beethovenscher Größe, noch ein zweites Don Juan-Thema; unisono erklingt es in den Hörnern, Strauss’ Lieblingsinstrumenten. Kaum zufällig gelangt der Titelheld an dieser Stelle der Tondichtung zur Besinnung. Zu bunt und wild war anscheinend doch sein erotisches Treiben. Was folgt, ist das allmähliche Verglimmen des Sinnenrausches in trübseligem Moll.

Als humoristisches Gegenbild hierzu figuriert die Tondichtung Till Eulenspiegels lustige Streiche. Ein keck-munteres, in seinen Klangwirkungen äußerst effektvolles Scherzo ist dieses 1895 vollendete Werk, »nach alter Schelmenweise – in Rondeauform – für großes Orchester gesetzt«. Frappierend die Fülle der musikalischen Ideen: Unbändige Lebensfreude, Übermut und Satire gewinnen jede für sich genommen ebenso individuelle, buffoneske Kontur wie das Gezeter der Marktweiber, eine gemächliche Volksweise, ein Gassenhauer sowie – natürlich – das sehnsuchtsreiche von den Violinen »liebeglühend« vorzutragende Schmachten Tills. Kein Zweifel, im Mittelpunkt steht der (hier allerdings mehr spitzbübisch-philosophische denn erotisch aufgeladene) Titelheld, verkörpert durch zwei Motive, die nach ihrem ersten Erscheinen immer wieder wie aus dem Nichts auftauchen, in vielerlei Varianten und pittoresken Arabesken. Eins davon – seinem Charakter nach ist es gleichermaßen schalkhaft wie tiefsinnig – wird vom Solo-Horn gleich zu Beginn vorgestellt; das zweite und ureigentliche Eulenspiegel-Motiv (»lustig« soll es sein), schenkt Strauss der virtuosen D-Klarinette. So sehr dieses doppelgesichtige Thema, wie das gesamte Stück, für sich selbst steht, so sehr spürt man doch, wie im Hintergrund Programmatisches mitschwingt. Sprich: Man kann den vielgestaltigen, mal schnoddrig, mal verliebt durch die Welt eilenden Eulenspiegel begleiten auf seinem klingenden Weg, kann ihm zusehen bei seinen Streichen und Schnurren, und kann ihn schließlich – nachdem die Posaunen das Gerichtsurteil gesprochen haben –in den Tod begleiten: Mit einem letzten seufzenden Flötentriller geht dem Till Eulenspiegel nicht nur seine Lust, sondern auch seine Lebenspuste aus. Doch damit ist das Stück noch nicht zu Ende. Es folgt ein F-Dur-Epilog. Und der besagt ganz entschieden eines: Der Schalk, er möge weiterleben in dieser laut Voltaires Candide „besten aller möglichen Welten“.

Jürgen Otten

Gustavo Dudamel was only twenty-three when he won the Gustav Mahler Conducting Competition organized by the Bamberg Symphony Orchestra in 2004. Since then he has become an iconic figure in the world of classical music. He was born in Barquisimeto in Venezuela in 1981 and trained as a conductor, violinist and composer: he studied the violin with José Francisco del Castillo at the Latin American Academy for the Violin and took lessons in conducting with Rodolfo Saglimbeni and José Antonio Abreu. Since 1999 he has been music director of the Simón Bolivar Youth Orchestra of Venezuela, and together they have appeared four times in the Berlin Philharmonie. During the 2007/08 season he also became principal conductor of the Gothenburg Symphony Orchestra and has taken over the same post with the Los Angeles Philharmonic in the 2009/10 season. Dudamel is actively involved in the education programmes of both these orchestras. In addition, he is a regular guest conductor with the Orchestre Philharmonique de Radio France, the Israel Philharmonic, the Philharmonia of London, Milan’s La Scala and the Vienna Philharmonic. He made his debut with the Berliner Philharmoniker at its annual Waldbühne Concert in June 2008; he last appeared with the orchestra at the beginning of May 2012 in Paris. His distinctions include the Royal Philharmonic Society’s Music Award for Young Artists (2007) and the Würth Prize by Germany’s Jeunesses Musicales (2008). Dudamel was inducted into “l’Ordre des Arts et des Lettres” as a Chevalier in Paris in 2009 and into the Royal Swedish Academy of Music in 2011. He has been named Musical America’s 2013 Musician of the Year.

Seit Gustavo Dudamel 2004 mit erst 23 Jahren den Gustav-Mahler-Dirigentenwettbewerb der Bamberger Symphoniker gewann, löst er immer wieder Begeisterung in der internationalen Musikwelt aus. Der Dirigent, Geiger und Komponist wurde 1981 in Barquisimeto (Venezuela) geboren, war Schüler des Violinpädagogen José Francisco del Castillo an der lateinamerikanischen Akademie für Violine und absolvierte ein Dirigierstudium bei Rodolfo Saglimbeni sowie bei José Antonio Abreu. Seit 1999 betreut Gustavo Dudamel als Musikalischer Leiter das Simón Bolívar Jugendorchester in Venezuela , mit dem er seither bereits viermal in der Berliner Philharmonie zu erleben war. Im Herbst 2007 wurde er Musikdirektor der Göteborger Symphoniker, mit Beginn der Saison 2009/2010 trat er in gleicher Funktion an die Spitze des Los Angeles Philharmonic. An den Education-Projekten beider Orchester (z. B. am Youth Orchestra Los Angeles) beteiligt sich der junge Dirigent mit großer Leidenschaft. Gustavo Dudamel gastiert außerdem regelmäßig u. a. beim Orchestre Philharmonique de Radio France, beim Israel Philharmonic Orchestra, beim Philharmonia Orchestra London, an der Mailänder Scala und bei den Wiener Philharmonikern. Die Berliner Philharmoniker leitete er erstmals beim Waldbühnenkonzert im Juni 2008 und zuletzt Anfang Mai 2012 bei deren Gastspiel in Paris. Zu den Auszeichnungen Gustavo Dudamels zählen der »Music Award for Young Artists« der Royal Philharmonic Society (2007), der »Würth-Preis« der Jeunesses Musicales Deutschland (2008) sowie die Aufnahme in den »Ordre des Arts et des Lettres« der Republik Frankreich (2009) und die Königliche Musikakademie in Schweden (2011). Musical America, das führende Online-Magazin für klassische Musik in den USA, kürte Gustavo Dudamel zum »Musiker des Jahres« 2013.

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Sehen Sie ein Konzert mit Mahlers Symphonie Nr. 1 und Beethovens Symphonie Nr. 4, dirigiert von Sir Simon Rattle.

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