Yannick Nézet-Séguin dirigiert Werke von Tschaikowsky und Ravel

16. Jun 2012

Berliner Philharmoniker
Yannick Nézet-Séguin

Walter Seyfarth, Rundfunkchor Berlin

  • Luciano Berio
    Sequenza IXa für Klarinette (14 Min.)

    Walter Seyfarth Klarinette

  • Peter Tschaikowsky
    Romeo und Julia, Fantasie-Ouvertüre nach Shakespeare (23 Min.)

  • Maurice Ravel
    Daphnis et Chloé, Symphonie chorégraphique in drei Teilen (64 Min.)

    Rundfunkchor Berlin, Michael Gläser Einstudierung

  • kostenlos

    Yannick Nézet-Séguin über Ravels »Daphnis et Chloé« (17 Min.)

Von einem »denkwürdigen Abend« mit einem »aufgehenden Stern am Dirigentenhimmel« sprach die Presse, als Yannick Nézet-Séguin im Oktober 2010 bei den Berliner Philharmonikern debütierte. Für seine Rückkehr ans Pult der Philharmonie stellte er ein Programm zusammen, das mit kraftvollen Orchesterfarben die Höhen und Tiefen der Liebe nachzeichnet.

Am Beginn steht allerdings ein Solostück. Walter Seyfarth, seit 1985 Klarinettist der Berliner Philharmoniker, spielt Luciano Berios Sequenza IXa für Klarinette – der Abschluss einer die ganze Saison 2011/2012 durchziehenden Sequenza-Reihe mit Musikern des Orchesters. Weiter geht es mit der wohl größten Liebesgeschichte der Weltliteratur: Shakespeares Romeo und Julia, hier in der Vertonung Peter Tschaikowskys. Der Komponist, eigentlich ein Anhänger der Symphonie, experimentiert in diesem Werk mit der neuen Form der Tondichtung. Dabei zeichnet er die Handlung nicht nach, sondern montiert zentrale Charaktere und Situationen: ein hochemotionales Konzentrat des dramatischen Geschehens.

Auch in Ravels Ballett Daphnis et Chloé nach einem antiken Roman muss ein Paar seine Liebe gegen existenzielle Widrigkeiten – darunter zwei Entführungen – verteidigen, doch immerhin gibt es hier ein glückliches Ende. Ravel wollte mit dieser Partitur »ein ausladendes musikalisches Fresko« schaffen. Dabei beeindruckt vor allem, wie er scharfe, archaische Rhythmik ganz organisch mit seiner typischen delikaten Tonsprache mischt. Im Konzertsaal ist das Werk meist in Form zweier Orchestersuiten zu hören. An diesem Abend jedoch spielen die Berliner Philharmoniker und Yannick Nézet-Séguin die komplette Ballettmusik, die viele zusätzliche musikalische Kostbarkeiten enthält.


Musical Fantasies of Berio, Tchaikovsky and Ravel

This concert is a spiritual brother to the one presented on 19 January 2012. That programme included Albert Roussel’s musical adaptation of the story of Bacchus and Ariadne and Sergei Rachmaninov’s Symphonic Dances, in which the composer explores three contrasting moods. Today Tchaikovsky and Ravel take over the storytelling duties, transporting us to Renaissance Verona and an ancient setting on the island of Lesbos.

The concert opens with a performance of Luciano Berio’s Sequenza IXa for Clarinet from his Sequenzas cycle, a series of 14 works composed between 1958 and 2002. Six other pieces from the cycle have been heard here during the past few months, each of which was a fascinating encounter with uniquely virtuosic music and its virtuosic interpreter. The oboe, trombone, violin, flute, viola and trumpet have been featured thus far – today we will hear the clarinet.

As in several other cases, Berio used ideas from his Sequenza IXa, which was composed for Michel Arrignon in 1980, in further works. The same year he arranged it for alto saxophone, in 1985 material from the work was incorporated into the dance theatre piece Mix and in 1996 it became the basis for Récit (Chemins VII) for alto saxophone and orchestra. In all the later versions, the material undergoes variation, taking the chosen ensemble into account, but the essence of the original version is preserved – the scenic impetus and the flow of the inner drama, which establishes a surreal relationship with the outside world of instrument, interpreter and audience.

According to Berio, Sequenza IXa is “essentially a long melody” but also “a ‘sequence’ of instrumental gestures developing ... between two different harmonic fields.” It is based on a seven-note motif, which always appears in the same register, and a five-note motif appearing in different registers. During the work, the second motif modifies the first. To what extent this exchange of gestures and ideas can be followed, particularly given the brisk tempo of the sequences, is an open question. The embedding of gestures in harmonic fields can be heard clearly, however, and the dramatic impulse may even push all the subtleties of the structure into the background.

Drama of love and dead

“For never was a story of more woe / Than this of Juliet and her Romeo” – anyone who has encountered Shakespeare’s Romeo and Juliet, whether on the stage, as a film, at a reading or by reading it himself, probably recalls these words of Prince Escalus. The drama, which ends with these lines, tells one of the most moving love stories of all time, and after it was translated it became popular in virtually every country the world over. Musicians, in particular, have been inspired by the story. Since Georg Benda’s Singspiel of 1776, Shakespeare’s masterpiece has been the basis for no less than 24 operas, including those of Charles Gounod, Vincenzo Bellini and Heinrich Sutermeister. Last but not least, Leonard Bernstein’s modern adaptation of the Romeo and Juliet material in West Side Story must also be mentioned. Among ballet settings, Sergei Prokofiev’s 1938 score ranks first, and Hector Berlioz’s “symphonie dramatique” for soloists, chorus and orchestra, composed in 1839, is the best symphonic version.

Thirty years later, the 29-year-old Pyotr Tchaikovsky was inspired to compose a fantasy overture, Romeo and Juliet. The music does not follow the action of the tragedy but concentrates on its central dramatic conflict. The wise Friar Laurence is depicted first in the chorale-like introduction, but the battle theme of the feuding Capulet and Montague families soon enters in the Allegro giusto. In striking contrast to it, the love theme is heard – one of Tchaikovsky’s most brilliant lyrical inspirations, thanks to its beauty and expressive power. After these passionate, fervent strains, the warlike mood returns. During the development, the feud and Laurence themes confront each other in a series of variations, while the love theme gains the upper hand again at the beginning of the recapitulation, until the happiness is finally shattered and everything becomes quiet after the death of the lovers. Their theme is poignantly recalled, leading into Friar Laurence’s “lost words”, from which the mood gradually brightens – symbolising the reconciliation of the warring families at the end.

A “continuous torture“

Maurice Ravel’s ballet music Daphnis et Chloé takes us to a very different, less tragic setting. It is based on the Pastoral Romance of Daphnis and Chloe, a classical romantic novel written by Longus, who lived on the island of Lesbos during the second and third centuries AD. It tells of two abandoned children raised by shepherds, who gradually discover love together. At the beginning it is spring, filled with childhood games. In summer, their desire for each other grows and calamity threatens – pirates arrive and abduct Daphnis, but Chloe manages to rescue him. In the autumn, an old shepherd initiates Daphnis and Chloe in the secrets of love, which are still incomprehensible to them, and gives their “illness” a name: Eros. He also reveals the remedy, however – kissing, embracing and lying naked on the ground together. But the two still cannot understand everything, and disaster looms once again. This time Chloe is carried off but returns unharmed, thanks to Pan’s intervention. Winter comes, then spring returns, and now it is a neighbour who instructs Daphnis in the art of love. The wedding of Daphnis and Chloe is not celebrated until the following autumn, however.

In summer 1909, after the first Paris season of the Ballets Russes, the company’s busy impresario Serge Diaghilev commissioned Ravel to compose ballet music for a scenario which the choreographer Michel Fokine had already developed based on Longus’s epic tale. What then followed was a long, typically theatrical story that did not come to an end until the ballet’s premiere in 1912, which met with a lukewarm reception. Ravel summarised the outcome as follows: “Daphnis et Chloé was such continuous torture for me that I am extremely reluctant to undertake a similar experience again.” Several years passed before the work began to enjoy the success it deserved and Ravel’s achievement was appreciated.

“My intention in writing it,” Ravel later wrote, “was to compose a vast musical fresco in which I was less concerned with archaism than with faithfulness to the Greece of my dreams, which is very similar to that imagined and depicted by French artists at the end of the eighteenth century. The work is constructed symphonically, according to a strict tonal plan, out of a small number of themes, the development of which ensures the work’s symphonic homogeneity.”

In the concert hall, Ravel’s Daphnis et Chloé is generally heard in the form of two orchestral suites. Making the complete ballet music come alive in concert is a challenge, since the impact of the action on the stage is lacking. Be that as it may, Ravel’s sumptuous, Mediterranean-inspired music will captivate listeners from start to finish. Incidentally, the events in the ballet concentrate on one part of Longus’s ravishing novel – from the idyllic opening to the invasion of the pirates and Chloe’s rescue to the wedding celebration. And there is even a link to Shakespeare – this story served as the model for his Winter’s Tale.

Helge Jung

Translation: Phyllis Anderson


Fantastisches von Berio, Tschaikowsky und Ravel

Dieser Konzertabend hat einen Bruder im Geiste, zu finden unter dem Datum 19. Januar 2012. Damals gab es Albert Roussels musikalische Nacherzählung der Geschichte von Bacchus und Ariadne zu hören sowie Sergej Rachmaninows Symphonische Tänze, in denen der Komponist drei Tagesstimmungen reflektiert; heute übernehmen Tschaikowsky und Ravel das Geschichten­erzählen und geleiten uns ins Verona der Renaissance beziehungsweise in eine antike Szenerie auf der Insel Lesbos.

Auch Luciano Berio ist wieder dabei, er wird sogar den Abend eröffnen: Aus seinem zwischen 1958 und 2002 entstandenen und 14 Beiträge umfassenden Sequenzen-Zyklus kommt die Sequenza IXa für Klarinette zur Aufführung – sechs andere sind bereits in den vergangenen Monaten hier erklungen, und jedes Mal wurden es faszinierende Begegnungen mit einer einmalig virtuosen Musik und zugleich mit den sich ihr widmenden virtuosen Interpreten. Oboe, Posaune, Geige, Flöte, Bratsche und Trompete präsentierten sich bislang schon – heute also die Klarinette.

Komponiert 1980 für Michel Arrignon, nutzte Berio seine Invention, wie in etlichen anderen Fällen auch, für weitere Stücke: Noch im selben Jahr entstand eine Altsaxofon-Fassung, 1985 floss Material der Komposition in das Tanztheaterwerk Mix ein, 1996 wurde sie zur Grundlage von Récit (Chemins VII) für Altsaxofon und Orchester. In allen späteren Versionen erfährt das Material Variationen, die der gewählten Besetzung Rechnung tragen, das Wesentliche der »Urfassung« aber bleibt erhalten: der szenische Impetus, der Ablauf eines inneren Dramas, das mit der Außenwelt – Instrument, Interpret, Publikum – auf surreale Weise in Beziehung tritt.

Laut Berio ist Sequenza IXa »im Wesentlichen eine lange Melodie«, aber auch »eine Abfolge von instrumentalen Gesten«, die sich »zwischen zwei verschiedenen harmonischen Feldern entwickeln«. Grundlage ist ein 7-Ton-Motiv, das immer in demselben Register erklingt, und ein 5-Ton-Motiv, das in unterschiedlichen Registern positioniert wird. Das zweite Motiv wirkt im Laufe des Stücks modifizierend auf das erste ein. Wie weit dieser Gesten- und Gedankenaustausch verfolgbar ist, zumal bei der hohen Geschwindigkeit der Abläufe, bleibt dahingestellt. Was aber ohne weiteres erfahrbar wird, ist das Eingebettetsein in harmonische Felder, und der dramatische Impuls rückt vielleicht sogar alle Finessen der Konstruktion in den Hintergrund.

»Denn niemals gab es ein so herbes Los / Als Juliens und ihres Romeos« – diese Worte des Prinzen Escalus hat wohl jeder im Ohr, der Shakespeares Romeo und Julia erlebt hat, sei es auf der Bühne, sei es als Verfilmung, sei es aus der eigenen Lektüre oder bei einer Lesung. Das Drama, das mit diesen Worten endet, erzählt eine der bewegendsten Liebesgeschichten, und seit sie übersetzt wurde, fanden nahezu alle Nationen Zugang. Allen voran ließen sich die Musiker inspirieren: Seit Georg Bendas Singspiel von 1776 ist Shakespeares Meisterwerk in nicht weniger als 24 Opern verarbeitet worden, darunter Beiträge von Charles Gounod, Vincenzo Bellini und Heinrich Sutermeister, und nicht zuletzt ist auch Leonard Bernsteins West Side Story als moderne Adaption des Romeo und Julia-Stoffes hier einzureihen. Unter den Ballettmusiken nimmt Sergej Prokofjews Schöpfung von 1938 den Spitzenplatz ein, und ins symphonische Gewand kleidete es Hector Berlioz als Erster – mit einer 1839 komponierten »Symphonie dramatique« für Solisten, Chor und Orchester.

30 Jahre später ließ sich der 29-jährige Pyotr Tschaikowsky zu einer Fantasie-Ouvertüre »Romeo und Julia« anregen. Die Musik folgt nicht dem Verlauf der Tragödienhandlung, sondern konzentriert sich auf ihren dramatischen Hauptkonflikt. Mit der choralartigen Introduktion wird zunächst der weise Pater Lorenzo charakterisiert, aber schon bald bricht im Allegro giusto gewaltsam das Kampfthema der verfeindeten Familien Capulet und Montague herein. In starkem Kontrast dazu erklingt das Liebesthema – dank seiner Schönheit und Ausdruckskraft eine der genialsten lyrischen Eingebungen Tschaikowskys. Neue Kampfstimmung löst diesen leiden­schaftlich glühenden Klang ab. In der Durchführung begegnen sich in vielfachen Variationen das Feindschafts- und das Lorenzo-Thema, während zu Beginn der Reprise wieder das Liebesthema die Oberhand gewinnt, bis das Glück endgültig zerstört ist und nach dem Tod der Liebenden alles verstummt. Noch einmal wird schmerzlich an deren Gesang erinnert, hinüberleitend zu Pater Lorenzos »letzten Worten«, aus denen heraus sich die Stimmung allmählich aufhellt – als Sinnbild für die endliche Versöhnung der verfeindeten Familien.

In eine ganz andere, weniger schicksalsträchtige Szenerie führt uns Maurice Ravels Ballettmusik Daphnis et Chloé. Zugrunde liegt ihr der antike Liebesroman des im 2. und 3. Jahrhundert unserer Zeitrechnung auf der Insel Lesbos beheimateten Autors Longos: die Hirtengeschichten von Daphnis und Chloe. Sie berichten von zwei ausgesetzten, von Hirten aufgenommenen Kindern, die Schritt für Schritt gemeinsam die Liebe entdecken. Zu Beginn ist es Frühling, erfüllt von kindlichen Spielen. Im Sommer, der ihr Verlangen nacheinander steigert, droht Unheil: Seeräuber dringen ein und entführen Daphnis, doch Chloe gelingt es, ihn zurückzuholen. Zur Herbstzeit führt ein greiser Hirte Daphnis und Chloe in die ihnen noch immer unbegreiflichen Geheimnisse ein und nennt den Namen ihrer Krankheit: Eros. Er verrät aber auch die Heilmittel: küssen, umarmen, nackt auf der Erde liegen. Noch können die beiden nicht alles erfassen, und abermals droht Unheil: Diesmal wird Chloe geraubt, kehrt jedoch dank Pans Eingreifen unversehrt zurück. Der Winter kommt, dann wieder der Frühling, und jetzt ist es eine Nachbarin, die Daphnis in der Liebeskunst unterweist. Doch es dauert noch bis zum nächsten Herbst, bis die Hochzeit von Daphnis und Chloe gefeiert werden kann...

Nach der ersten Pariser Saison der Ballets russes, im Sommer 1909, wandte sich deren umtriebiger Impresario Sergej Diaghilew mit dem Vorschlag an Ravel, er möge zu einem Szenario, das der Choreograph Michail Fokin auf der Grundlage von Longos’ Epos bereits erarbeitet hatte, eine Ballettmusik komponieren. Daraus entspann sich eine ziemlich lange, theatertypische Geschichte, die erst 1912 mit einer wenig erfolgreichen Premiere ihr Ende fand und Ravel resümieren ließ: »Daphnis et Chloé war für mich eine so ununterbrochene Tortur, dass mir vorerst jede Lust auf ein ähnliches Unternehmen vergällt ist.« Es sollte noch Jahre dauern, bis das Werk zum verdienten Siegeszug ansetzte und erlebbar werden konnte, was Ravel dort hineingelegt hat.

»Was mir vorschwebt«, hielt der Komponist zu Arbeitsbeginn fest, »war ein ausladendes musikalisches Fresko, weniger archaisierend als voll Hingabe an das Griechenland meiner Träume, welches sich sehr leicht mit dem identifizieren lässt, was die französischen Künstler des späten 18. Jahrhunderts nach ihren Vorstellungen gemalt haben. Mein Werk ist nach einem sehr strengen tonalen Plan symphonisch gebaut, und zwar mittels einer kleinen Zahl von Motiven, deren Entwicklungen die symphonische Homogenität des Werks gewährleisten.«

Ravels Daphnis et Chloé ist auf den Orchesterpodien meist nur in Gestalt zweier Orchestersuiten präsent; das Werk hier und heute als Ganzes erlebbar zu machen, darf durchaus ein Wagnis genannt werden, denn es fehlt die Präsenz der Bühnenhandlung. Sei’s drum: Ravels verschwenderische, mediterran inspirierte Musik wird von Anfang bis Ende fesseln. Im Übrigen konzentriert sich das Geschehen auf einen Ausschnitt aus Longos’ üppigem Roman: vom Anfangs-Idyll über den Pirateneinfall und Chloes Rettung bis zur Hochzeitsfeier. Und einen Brückenschlag zu Shakespeare gibt es auch: ihm diente diese Geschichte als Vorlage für sein Wintermärchen...

Helge Jung

Yannick Nézet-Séguin studied piano, conducting, composition and chamber music in his native city of Montreal and continued his training with Carlo Maria Giulini. The young conductor has received numerous awards, among them the Royal Philharmonic Society Award and the Virginia Parker Award from the Canadian government in 2000. He was awarded an honorary doctorate by the University of Quebec in Montreal in 2011. After serving as principal guest conductor of the Victoria Symphony Orchestra from 2003 – 2006, Yannick Nézet-Séguin assumed the post of artistic director of the Orchestre Métropolitain in Montreal. He is also music director of the Rotterdam Philharmonic Orchestra, principal guest conductor of the London Philharmonic Orchestra and music director designate of the Philadelphia Orchestra, where he will take up his position as music director in the 2012/2013 season. His European debut in 2004 was followed by numerous appearances with leading orchestras throughout the world, including the Staatskapelle Dresden, the Orchestre National de France, Tonhalle Zurich, the Vienna Philharmonic, the Chamber Orchestra of Europe and the orchestras of Cleveland, Boston and Los Angeles. Yannick Nézet-Séguin has also achieved great success as an opera conductor, with Bizet’s Carmen and Verdi’s Don Carlo at New York’s Metropolitan Opera, Janáček’s The Makropulos Case and Puccini’s Turandot at the Netherlands Opera in Amsterdam. He made his debut at London’s Royal Opera House Covent Garden with Dvořáks Rusalka. In 2010 he led performances of Poulenc’s La Voix humaine and Debussy’s L’Enfant prodigue during the Rotterdam Opera Days and conducted Mozart’s Don Giovanni at the Salzburg Festival. His first appearance with the Berliner Philharmoniker was in October 2010 with works by Olivier Messiaen, Sergei Prokofiev and Hector Berlioz.

The Rundfunkchor Berlin, founded in 1925, produced great musical moments of the 1920s and 30s under the direction of conductors such as George Szell, Hermann Scherchen, Otto Klemperer and Erich Kleiber. After the Second World War, the choir and its principal conductor Helmut Koch made the oratorios of Handel internationally known in their original versions. Dietrich Knothe (1982 – 1993) formed the choir into a precision instrument for the most difficult of works; Robin Gritton (1994 – 2001) both enriched and refined the ensemble’s palette of colours. Since 2001, the Rundfunkchor Berlin has been led by Simon Halsey, who places particular emphasis on stylistic and linguistic perfection, resulting in lively and exciting performances of works from all periods and in all styles. Their work together is documented by a busy recording schedule; recently their CD of Kaija Saariaho’s opera L’Amour de loin with the Deutsches Symphonie-Orchester conducted by Kent Nagano won the 2010 Grammy Award for best opera recording. Simon Halsey, who was awarded the “Bundesverdienstkreuz” (Cross of the Order of Merit) in January 2011, has also initiated many of the choir’s education and outreach projects, the interdisciplinary event series Broadening the Scope of Choral Music as well as the annual Sing-along Concert. The choir has been a partner of leading orchestras and conductors all over the world, including long-standing partnerships with the Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, the Deutsches Symphonie-Orchester and the Berliner Philharmoniker. The Rundfunkchor Berlin last appeared with the Berliner Philharmoniker in April 2012 with Robert Schumann’s Nachtlied op. 108 and the Requiem by Gabriel Fauré, conducted by Sir Simon Rattle.

Walter Seyfarth, a native of Düsseldorf, was a first prize winner at the age of sixteen in the Deutscher Tonkünstlerverband competition. He later studied the instrument at the Freiburg Musikhochschule with Peter Rieckhoff, then with Karl Leister in the Orchestra Academy of the Berliner Philharmoniker. Following his first engagement, in the Saar Radio Symphony Orchestra (from 1975), he became a member of the Berliner Philharmoniker in 1985. Three years later he and his colleagues Michael Hasel, Andreas Wittmann, Fergus McWilliam and Henning Trog founded the Philharmonic Wind Quintet. He also plays in the ensemble of Berlin Philharmonic Winds. As a teacher, Walter Seyfarth has been active since 1987 in the Philharmonic’s Orchestra Academy, with international youth orchestras and in masterclasses.

Walter Seyfarth war mit 16 Jahren Erster Preisträger beim Wettbewerb des Deutschen Tonkünstlerverbandes und studierte zunächst an der Musikhochschule Freiburg bei Peter Rieckhoff, später bei Karl Leister an der Orchester-Akademie der Berliner Philharmoniker. Nach einem ersten Engagement im Sinfonieorchester des Saarländischen Rundfunks wurde Walter Seyfarth 1985 Mitglied der Berliner Philharmoniker. Drei Jahre später gründete er mit seinen Kollegen Michael Hasel, Andreas Wittmann, Fergus McWilliam und Henning Trog das Philharmonische Bläserquintett. Außerdem musiziert der Klarinettist im Ensemble Bläser der Berliner Philharmoniker. Als Dozent ist Walter Seyfarth an der Orchester-Akademie der Berliner Philharmoniker, bei internationalen Jugendorchestern sowie im Rahmen von Meisterkursen tätig. Neuerdings tritt er auch als Solist bei dem 2012 gegründeten Festival in Trancoso (Brasilien) auf.

Yannick Nézet-Séguin studierte Klavier, Dirigieren, Komposition und Kammermusik in Montreal; außerdem war er Schüler von Carlo Maria Giulini. In seiner kanadischen Heimat übernahm Yannick Nézet-Séguin nach einer Position als Erster Gastdirigent des Victoria Symphony Orchestra (2003 – 2006) die Künstlerische Leitung des Orchestre Métropolitain in Montreal. Außerdem ist er Musikdirektor des Rotterdams Philharmonisch Orkest, Erster Gastdirigent des London Philharmonic Orchestra und designierter Musikdirektor des Philadelphia Orchestra von der Saison 2012/2013 an. Seinem Debüt in Europa 2004 folgten zahlreiche Auftritte bei bedeutenden Orchestern in aller Welt, u. a. bei der Staatskapelle Dresden, dem Orchestre National de France, dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, den Wiener Philharmonikern, dem Chamber Orchestra of Europe sowie den Orchestern in Cleveland, Boston und Los Angeles. Auch als Operndirigent hat Yannick Nézet-Séguin bereits große Erfolge gefeiert: mit Bizets Carmen und Verdis Don Carlo (Metropolitan Opera New York), Janáčeks Die Sache Makropulos und Puccinis Turandot (De Nederlandse Opera Amsterdam), Poulencs La Voix humaine und Debussys L’Enfant prodigue (Operntage Rotterdam), Mozarts Don Giovanni und Gounods Roméo et Juliette (Salzburger Festspiele). Ebenfalls mit Roméo et Juliette gab Yannick Nézet-Séguin seinen Einstand an der Mailänder Scala, in einer Produktion von Dvořáks Rusalka denjenigen am Londoner Royal Opera House, Covent Garden. Der junge Dirigent wurde bereits mehrfach ausgezeichnet, z. B. im Jahr 2000 mit dem Royal Philharmonic Society Award und dem Virginia Parker Award der kanadischen Regierung; die Université du Quebec in Montreal verlieh ihm 2011 die Ehrendoktorwürde. Am Pult der Berliner Philharmoniker stand Yannick Nézet-Séguin erstmals Mitte Oktober 2010 in drei Konzerten mit Werken von Olivier Messiaen, Sergej Prokofjew und Hector Berlioz.

Der Rundfunkchor Berlin, 1925 gegründet, prägte unter Dirigenten wie George Szell, Hermann Scherchen, Otto Klemperer und Erich Kleiber musikalische Sternstunden der 1920er- und 1930er-Jahre. Nach dem Zweiten Weltkrieg machte er mit seinem Chefdirigenten Helmut Koch die Oratorien Händels erstmals in der Originalgestalt international bekannt. Dietrich Knothe (1982 – 1993) formte den Chor zu einem Präzisionsinstrument für schwierigste Literatur; Robin Gritton (1994 – 2001) bereicherte und verfeinerte die Farbpalette des Ensembles. Seit 2001 leitet Simon Halsey den Rundfunkchor Berlin. Er legt besonderes Gewicht auf die stilistisch und sprachlich perfekte, dabei lebendige und mitreißende Wiedergabe von Werken aller Epochen und Stile. Eine rege Aufnahmetätigkeit und viele Auszeichnungen dokumentieren den großen Erfolg dieser Arbeit: So erhielt die gemeinsam mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin unter der Leitung von Kent Nagano entstandene CD-Veröffentlichung von Kaija Saariahos Oper L’Amour de loin einen »Grammy Award« 2010 als beste Opernaufnahme. Simon Halsey, der im Januar 2011 mit dem Bundesverdienstkreuz geehrt wurde, initiierte außerdem zahlreiche Projekte des Chors im Bildungs- und Erziehungsbereich, die interdisziplinäre Veranstaltungsreihe Broadening the Scope of Choral Music sowie einmal im Jahr ein großes Mitsingkonzert. Im vergangenen Jahr startete der Rundfunkchor Berlin das Pilotprojekt SING!, mit dem in Berliner Grundschulen das Singen in allen Unterrichtsfächern etabliert werden soll. Das Vokalensemble ist Partner führender Orchester und Dirigenten in aller Welt; langjährige Kooperationen bestehen mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, dem Deutschen Symphonie-Orchester und den Berliner Philharmonikern. Mit ihnen brachte der Rundfunkchor Berlin zuletzt Mitte April 2012 in zwei von Sir Simon Rattle dirigierten Konzert Robert Schumanns Nachtlied op. 108 und das Requiem von Gabriel Fauré zur Aufführung.

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